ALESSANDRO GIOIELLO - Pensieri Sparsi

Opening March 24 from 6.30pm

La Galleria Richter Fine Art prosegue la stagione espositiva con la personale di Alessandro Gioiello (Savigliano, Cuneo, 1982). La mostra, intitolata Pensieri Sparsi è accompagnata da un testo critico di Maria Vittoria Pinotti e inaugura martedì 24 marzo dalle 18.30, rimanendo in programmazione fino al 17 maggio 2026.

In mostra pitture sui recenti esiti della ricerca che Alessandro Gioiello ha avviato negli ultimi mesi dell’anno scorso, in cui ha esplorato una selezione di oggetti del suo studio di Racconigi (CN). Tutti gli elementi che vivono tali ambienti sono stati utilizzati come materia prima per costruire le opere pittoriche, organizzandone gli spazi, la composizione e gli equilibri. I soggetti ritratti sono presenze molto semplici, come conchiglie, composizioni floreali disposte in vasi altrimenti liberamente aperte e sfuse nell’ambiente.

Di comune emerge un rapporto equilibrato e fortemente dinamico, sia tra gli elementi della composizione sia nelle cromie, laddove la freddezza quasi cristallina si contrappone alle calde modulazioni, creando un equilibrio tonale comune a tutte le opere in mostra. Ne deriva una visione catartica delle cose, priva di narrazione, capace di offrire un’esperienza sensoriale e un’intima conoscenza del mondo.

Per Gioiello la pittura è un atto di intima riflessione, in cui lunghi momenti di osservazione e attesa nel suo studio superano spesso quelli dell’azione pittorica. La ricerca dell’attimo giusto per dipingere svela un rapporto esteso con il tempo, una partecipazione intensa e contemplativa che lo porta ad accogliere l’aspetto fenomenico delle cose.

Circa tale aspetto è l’artista stesso ad affermare come «Per questa mostra ho immaginato che tutti gli oggetti del mio studio, persino quelli a pochi centimetri di distanza dal cavalletto, potessero perdere il loro nome, anche solo per un istante. Così senza dover più rincorrere un soggetto, ogni oggetto ritratto è un tentativo di trascrizione del percepito, di ciò che è prossimo o appena passato. Sono appunti visivi tracciati in velocità dopo lunghe attese. Credo che si possa guardare la tela allo stesso modo in cui si guarda un fiume, aspettando la comparsa della più piccola forma di vita».

I dipinti sono ricchi di naturalezza, il tratto, aperto e spontaneo, tenta di fissare l’emergere delle forme e tale asciutta semplicità è propria del momento in cui le cose vengono liberate dal loro significato, per lasciare spazio alla sola presenza. Allo stesso modo, il titolo della mostra ci invita a considerare le opere come una raccolta aleatoria di pensieri, in cui confluiscono predilezioni di vita, incontri con oggetti dello studio e situazioni meditative originate da un tempo fortemente sospeso e rallentato.

Gioiello lavora con pochi mezzi pittorici, utilizza pochi colori ma sperimenta quante più combinazioni e variazioni possibili, i pennelli di piccole dimensioni, vengono tagliati per permettere di lasciare una traccia spezzata che lascia intravedere la trama della tela. Lavorando sul concetto di “temperatura” della pittura - ovvero la giusta combinazione tonale che gli permette di modellare lo spazio e le distanze - riesce a evocare l’intera atmosfera che circonda il soggetto, giocando sulle trasparenze in profondità e mantenendo i bordi aperti, dona respiro e apertura al lavoro.

Richter Fine Art continues its exhibition season with a solo show by Alessandro Gioiello (Savigliano, Cuneo, 1982). The exhibition, titled Pensieri Sparsi, is accompanied by a critical text by Maria Vittoria Pinotti and opens on Tuesday, 24 March, from 6:30 pm, remaining on view until 17 May 2026.

The exhibition presents paintings stemming from the latest phase of Alessandro Gioiello’s research, initiated in the final months of last year, in which he explored a selection of objects from his studio in Racconigi (CN). All the elements inhabiting these spaces have been used as raw material to construct the pictorial works, organizing their spatial relationships, composition, and balance. The depicted subjects are very simple presences, such as shells, floral arrangements placed in vases, or otherwise freely scattered throughout the environment.

A common thread emerges in a balanced yet highly dynamic relationship, both among the compositional elements and in the color palette, where an almost crystalline coolness contrasts with warm modulations, creating a tonal equilibrium that characterizes all the works on display. The result is a cathartic vision of things, devoid of narrative, capable of offering a sensory experience and an intimate understanding of the world.

For Gioiello, painting is an act of intimate reflection, in which long periods of observation and waiting in his studio often surpass the moments of actual painting. The search for the right moment to paint reveals an extended relationship with time, an intense and contemplative engagement that allows him to embrace the phenomenological aspect of things.

On this aspect, the artist states: «For this exhibition, I imagined that all the objects in my studio, even those just a few centimeters from the easel, could lose their name, even if only for a moment. In this way, without needing to chase a subject, every object depicted becomes an attempt to transcribe the perceived, what is near or has just passed. They are visual notes made quickly after long periods of waiting. I believe one can look at a canvas in the same way one watches a river, waiting for the appearance of the smallest form of life».

The paintings are rich in naturalness; the brushwork, open and spontaneous, seeks to capture the emergence of forms. This restrained simplicity corresponds to the moment in which objects are freed from their meaning, leaving space solely for their presence. Similarly, the exhibition’s title invites us to consider the works as a random collection of thoughts, where life’s predilections, encounters with studio objects, and meditative situations converge, originating from a time that is profoundly suspended and slowed.

Gioiello works with limited pictorial means, using few colors but experimenting with as many combinations and variations as possible. Small brushes are trimmed to allow broken traces that reveal the weave of the canvas. Working on the concept of the “temperature” of the painting — that is, the precise tonal combination that allows him to model space and distance — he manages to evoke the entire atmosphere surrounding the subject. By playing with depth and transparency while keeping the edges open, he grants the work breath and openness.

Alessandro Gioiello: Pensiero non mio e neanche tuo

Di Maria Vittoria Pinotti

Quando per la prima volta si approccia allo studio di un pittore sono diversi gli aspetti che possono rivelarsi, primo fra tutti rientra l’approfondimento del cammino della sua ricerca, quindi la conoscenza diretta delle opere e la scoperta degli spazi del suo studio. Eppure, talvolta accade qualcosa di inaspettato che sembra anticipare gli sviluppi di un percorso evolutivo apparentemente incerto, ma destinato a trovare il suo naturale compimento, colmando l’attesa e le riflessioni che ne derivano. Così, relazionandomi più volte con Alessandro Gioiello riguardo ad alcuni temi suoi lavori, ho compreso quanto sia necessario lasciare irrisolti alcuni aspetti, permettendo alla pittura stessa di interrogarsi sulle proprie necessità e motivazioni. Perciò la questione va oltre il semplice ascolto delle parole, si tratta piuttosto di un’intima lettura di pensieri che emergono sulla tela come una fioritura a volte languida se non vigorosa.

Ricordo bene come poco dopo una delle nostre conversazioni, Alessandro Gioiello condivise con me un insieme di note raccolte sotto il nome Pensieri Sparsi e nessuno di noi lì per lì avrebbe immaginato che sarebbe diventato il titolo di questa mostra. Il foglio raccoglieva diversi appunti, brevi annotazioni di poche righe che lasciavano presagire una profonda vocazione alle più intime e personali riflessioni. Proprio in quella circostanza capii che quei pensieri erano figli di una percezione perturbata e appena increspata dal lento fluire di sensazioni, tutte rivolte verso una piccola e privata raccolta di oggetti presenti nel suo studio di Racconigi. Vasi, bicchieri, mazzi di fiori, conchiglie, scarpe, T-shirt, scorci di pareti, tante piccole tracce di un pensiero molto più complesso, la cui semplicità e ordinarietà non deve affatto ingannarci. È certo che Gioiello lavori su ciò che Carlo Carrà aveva chiamato “le cose ordinarie” e su quanto il filosofo Martin Heidegger e lo storico dell’arte Meyer Schapiro, avevano discusso a proposito dei significati sulle scarpe che Vincent van Gogh dipinse in più versioni. Tuttavia sarebbe troppo superficiale riconoscere in queste opere una componente trascendentale, simbolica o metafisica, perché non c’è realtà più oggettiva e nuda di quest’ultima traccia. Eppure, ripercorrendo quanto si è detto, ogni opera riflette la propensione del tutto naturale, da parte di Alessandro Gioiello, di far vivere e coesistere gli oggetti nell’ambiente della tela, come se la loro semplice presenza sia sintomo di uno spazio concreto e denso di impressioni.

Per questo motivo ho immaginato giorni e lunghissime ore di intimità, quasi di confessione e misterioso dibattito del pittore nel suo studio, non tanto con gli oggetti rappresentati, quanto con sé stesso, nel suo più profondo introiettarsi, perché sebbene dipinga cose semplici e comuni, prima di tutto le preferisce tra le tante possibili. Si tratta di scelte meditative che alcune volte presuppongono anche un lavoro di combinazione, affinché le cose non solo si incontrino, ma piuttosto si raccontino. Perciò i mazzi composti da fiori con steli teneri e duri, così labili e sottili, talvolta aperti ed esplosi, come se fossero gonfi, oppure sfiorati da una ventata leggera rimangono aperti e senza perimetri fissi. Molte volte lo sfondo si confonde con il primo piano per l’uso di pennellate a misura di tono, la cui luce rende il senso di un’ombra morbida appena liquefatta, dall’impronta carezzevole e radente. Perciò Pensieri Sparsi rappresenta innanzitutto la costruzione di un percorso sulla luce, a tratti soffice, decifrabile in ogni millimetro, calda e limpida per metodo e intensità nei suoi vividi brillii, ed è proprio questa dialettica, così forte tale da annullare sostanze e volumi, a permettere alle figure di portare con sé anche il tempo della loro emersione. Eppure i fiori di Gioiello sono sensitivi piuttosto che naturalistici, viluppi vegetali, grovigli vigorosi e impetuosi, incuranti di buone forme, raccontano qualcosa su una scioltezza di esecuzione rivelante un pittore dalla sensibilità a fior di pelle.

A questo punto una questione: cosa accadrebbe se ogni oggetto che riposa silenziosamente nella tela venisse estraniato dal contesto in cui si trova? E se ciò accadesse, riusciremmo a misurare quanto il piccolo, caldo mondo in cui questi oggetti vivono, rimarrebbe denudato e privo della sua poesia originaria? Ed è qui che si scopre che pittura e poesia talvolta coincidono e questo incontro nelle tele di Alessandro Gioiello permette ai soggetti di non combaciare con ciò che in realtà si vede, quanto piuttosto con ciò che si pensa. Pertanto la poesia in questo caso sembra una questione di distanza rispetto al proprio modello, la scelta di un passo da percorrere, un rischioso tratto fra la sua verità e la realtà del quadro. Nell’intermezzo che si delinea risiede tutta la frazione di tempo in cui il pittore resta solo nel suo studio intento ad acquisire la consapevolezza di come il senso poetico di un oggetto risieda nel coglierne la semplicità, senza eccessivi infingimenti né dannose costruzioni. In questo modo viene affrontata una questione primaria per la pittura stessa, ovvero se l’artista riesca a esprimere non tanto il rapporto rispetto alla condizione fisica del vedere quanto il senso di docile attesa meditativa che precede tutto ciò. Avviene che, proprio come in una poesia, l’opera rimane in bilico in un alone di silenzio, in quanto non esprime solo ciò che dice, ma anche il fatto che lo stia rappresentando con la potenza e l’impotenza di riuscirci, così ad ogni oggetto corrisponde un preciso flusso di pensieri, una pura equilibrata alchimia tale da misurare spazi e forme.

Credo infatti che Alessandro Gioiello compia un’operazione simile a quella di un poeta, che sospende, ritma, soppesa silenzi e pause, accostando e unendo le strofe di una composizione in versi. Ed è naturale che ogni opera preveda un calibrato bilanciamento, un peso visivo modulato su pochi toni e per questa ragione non sono rimasta affatto colpita quando nella lettura dei Pensieri Sparsi, Gioiello abbia affermato come “le opere che mi piacciono di più, sono quelle che mi fanno immaginare di poterne mangiare il colore.” Proprio come nei movimenti di una pedina su una scacchiera, il pittore modula l’impasto dei colori, variandoli dai grigi azzurrati alle gamme più chiare delle terre e dei rosa, con bianchi farinosi, ciprie rosate, nocciola e biscotto, per lasciar cadere una luce polverosa che li sfiora e ne illumina solo alcuni punti definiti. Ecco perché l’oggetto si trasforma attraverso l’immaginazione non come riflesso incondizionato o risposta automatica e istantanea alla realtà, bensì come atto di acuto discernimento, che ne svela la natura più elementare. Paradossalmente, in pittura l’immaginazione non serve a evadere il reale, ma a entrarvi più a fondo: non ci interessa quanto una immagine sia veridica, bensì è di maggiore interesse capire come ci conduca verso un nuovo orientamento di visione delle cose. Così mi piace immaginare che i Pensieri Sparsi di Gioiello alla fine non siano soltanto più i suoi, né del tutto i nostri, quanto piuttosto una sorta di piccolo rifugio privato, uno spazio fisico condiviso, certamente mai chiuso.

Alessandro Gioiello: A Thought That Is Neither Mine Nor Yours

By Maria Vittoria Pinotti

When one first approaches the study of a painter, there are several aspects that may reveal themselves. Chief among these is the deepening of the path of their research, which includes direct familiarity with the works and the discovery of the spaces in their studio. Yet, sometimes something unexpected occurs, seemingly anticipating the developments of an apparently uncertain evolutionary journey, eventually reaching its natural fulfillment, capable of satisfying the anticipation and reflections it generates. Thus, in my repeated interactions with Alessandro Gioiello regarding certain themes in his work, I came to understand how necessary it is to leave some aspects unresolved, allowing the painting itself to question its own needs and motivations. Therefore, the matter goes beyond merely listening to words: it is rather an intimate reading of thoughts emerging on the canvas like a bloom, sometimes languid, sometimes vigorous.

I remember clearly how, shortly after one of our conversations, Alessandro Gioiello shared with me a collection of notes under the name Pensieri Sparsi, (Scattered Thoughts) and none of us could have imagined that they would eventually become the title of this exhibition. The sheet contained various notes, brief annotations of just a few lines, hinting at a profound inclination toward the most intimate and personal reflections. It was precisely in that moment that I realized these thoughts were born from a perception both disturbed and subtly rippled by the slow flow of sensations, all directed toward a small, private collection of objects in his studio in Racconigi. Vases, glasses, bouquets of flowers, seashells, shoes, T-shirt, glimpses of walls - so many tiny traces of a far more complex thought, whose simplicity and ordinariness must not deceive us. It is certain that Gioiello works on what Carlo Carrà had called “ordinary things” and with the issues discussed by the philosopher Martin Heidegger and later by the art historian Meyer Schapiro concerning the meanings of the shoes that Vincent van Gogh painted in several versions. However, it would be far too superficial to see in these works a transcendental, symbolic, or metaphysical component, for there is no reality more objective and barer than this last trace. And yet, reflecting on what has been said, each work reveals Alessandro Gioiello’s entirely natural tendency to make objects live and coexist within the environment of the canvas, as if their mere presence were a sign of a concrete space dense with impressions.

For this reason, I imagined long days and hours of intimacy, almost of confession and mysterious dialogue, with the painter in his studio - not so much with the objects depicted, but with himself in his deepest introspection. Although he paints simple and common things, he first chooses them carefully among many possibilities. These are meditative choices that sometimes also require compositional work, so that the objects do not merely meet, but rather tell a story. Thus, the bouquets composed of flowers with tender and stiff stems, so fragile and thin, sometimes open and bursting, as if swollen, or touched by a gentle breeze, remain unfolded and without fixed boundaries. Often, the background merges with the foreground through the use of tonal brushstrokes, whose light conveys the sense of a soft shadow, barely liquefied, with a caressing, grazing imprint. Therefore, Pensieri Sparsi primarily represents the construction of a journey through light - at times soft, discernible in every millimeter, warm and clear both in method and in the intensity of its vivid gleams. It is precisely this dialectic, so strong as to dissolve substance and volume, that allows the figures to carry with them even the time of their emergence. Yet Gioiello’s flowers are more sensitive than naturalistic - vegetal tangles, vigorous and impetuous entanglements, indifferent to perfect forms - they tell something about a looseness of execution, revealing a painter with a sensitivity close to the skin.

At this point, a question arises: what would happen if each object resting silently on the canvas were removed from the context in which it exists? And if this were to occur, could we measure how much the small, warm world in which these objects live would be stripped and deprived of its original poetry? Indeed, poetry and painting sometimes coincide, and this encounter in Alessandro Gioiello’s canvases allows the subjects not to match exactly what is seen, but rather what is thought. Therefore, poetry in this case seems a matter of distance from one’s model - a deliberate step to be taken, a risky passage between his truth and the reality of the painting. Within the interlude that unfolds lies the entire fraction of time in which the painter remains alone in his studio, intent on gaining the awareness that the poetic essence of an object resides in perceiving its simplicity - without excessive artifice or harmful constructions. In this way, a fundamental question for painting itself is addressed: whether the artist can express not so much the relationship to the physical act of seeing, but rather the sense of gentle, meditative anticipation that precedes everything else. Just like in poetry, the work remains suspended in a halo of silence, for it does not merely express what it depicts, but also the fact that it is representing it with both the power and the impotence of expression. Thus, each object corresponds to a precise flow of thoughts, a pure, balanced alchemy capable of measuring spaces and forms.

I believe that Alessandro Gioiello, in this way, performs an operation similar to that of a poet, who suspends, paces, and weighs silences and pauses, juxtaposing and uniting the stanzas of a verse composition. It is natural that each work involves a carefully calibrated balance, a visual weight modulated across a few tones, and for this reason I was not at all surprised when, in reading Pensieri Sparsi, Gioiello stated that “the works I like the most are those that make me imagine I could taste their color.” Just like the movements of a piece on a chessboard, the painter modulates the paint, varying it from bluish grays to the lighter ranges of earths and pinks, with floury whites, rosy powders, hazelnut, and biscuit tones, letting a dusty light fall that brushes and illuminates them only in certain defined points. The object is transformed through imagination not as an unconditional reflection or an automatic, instantaneous response to reality, but rather as an act of acute discernment that reveals its most elemental nature. Paradoxically, imagination does not serve to escape reality, but to enter it more deeply: we are not concerned with how truthful an image is, but rather with understanding how it guides us toward a new orientation in the way we see things. Thus, I like to imagine that Gioiello’s Pensieri Sparsi are ultimately not only his, nor entirely ours, but rather a sort of small private refuge, a shared physical space, certainly never closed.