POLINA BARSKAYA - Maternità
Opening November 19 from 6.30pm
La Galleria Richter Fine Art inaugura martedì 19 novembre Maternità, la prima personale in Italia di Polina Barskaya (1984, Cherkassy, Ucraina). L’artista presenta una serie di nuove pitture dall’intenso carattere autobiografico, raffiguranti momenti di svago, relax e quiete che hanno contraddistinto alcuni viaggi fatti con la famiglia nel territorio toscano, umbro e laziale.
L’invito della galleria Richter ambisce a raccontare la ricerca pittorica combaciante con la vita dell'artista. Pittura e vita viaggiano sullo stesso binario, svelando un rapporto di necessaria relazione e simbiosi.
Il titolo Maternità deriva dalla naturale necessità dell’artista di raccontare la propria condizione di vita, uno stato fisico e mentale che le ha permesso di sviluppare una nuova sensibilità e un’ ulteriore visione di sé stessa anche in relazione al mondo esterno. Barskaya pone al centro del suo lavoro la relazione, intesa come momento di incontro e intimo dialogo con i propri familiari. Così, il progetto espone la necessità di un ritorno alla sfera intima del familiare.
Sebbene l’artista si ritragga in uno stato di apparente distacco e passività, intende riferire con inequivocabile chiarezza il racconto della propria esistenza. Le scene, che ritraggono attimi di condivisione con la figlia, il marito, o che la ritraggono singolarmente inducono riflettere sui propri affetti, attraverso un processo di semplificazione che mira ad un’indagine sulla propria soggettività.
Ricordando la struttura visiva di un racconto fotografico improvvisamente interrotto o altrimenti in fase di avanzamento, la costruzione spaziale delle opere ha un carattere scenografico. Difatti, gli scenari dipinti derivano da fotografie, la cui trasposizione pittorica ne rivela un carattere inaspettatamente intimo. Da ciò proviene la scelta dell’artista di utilizzare il piccolo e medio formato, rivelante la propria spontanea necessità, di svelare con lucidità, alla pari di una privata confessione, la propria condizione di donna, moglie e madre.
Facendo luce sul suo presente Barskaya, mostra uno scorcio autobiografico, privo di qualunque contenuto psicologico e di ulteriori interpretazioni sentimentalistiche ed emotive, ne risulta una mente fredda che non teme di raffigurare con veridica semplicità il proprio stato. Comune a tutte le opere è una pittura corposa, dalle pennellate plastiche, sostanziose che intendono raffigurare senza alcuno scrupolo la fisicità dei corpi e le loro imperfezioni.
Nel testo critico, Maria Vittoria Pinotti afferma “Polina Barskaya dipinge la storia della propria vita e identifica sé stessa in perpetuo nella fase della maternità, laddove mostrandosi nella sua chiarità così tersa diventa estremamente semplice e penetrabile. Così, per Barskaya dipingere il vero non significa copiare fedelmente un soggetto, bensì tradurlo attraverso la sua acuta osservazione. Si tratta di un realismo puro, per cui l’immagine è scolpita in una dimensione volumetrica, sino a sbriciolarsi in una trama di pennellate che racchiudono la sensazione della luminosità, la trasparenza della luce e la sua continua irradiazione.”
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Polina Barskaya (1984, Cherkassy, Ucraina) vive e lavora tra l’Umbria, Italia e Brooklyn, New York. Ha studiato presso il MFA Pratt Institute, Brooklyn, 2010 e BA, Hunter College di New York, 2007. Tra i premi: The Elizabeth Greenshields Foundation Grant, 2020, per le residenze Residency at The Macedonia Institute, Chatham, New York, 2019. Tra le mostre personali: Kristin Hjellegjerde, West Palm Beach, Florida, 2024; Intimism, Monya Rowe Gallery, New York, 2023; Althuis Hofland Fine Arts, Amsterdam, Paesi Bassi, 2022; Still, Monya Rowe Gallery, New York, 2021; Time Passing, Taymour Grahne (online), Londra, Gran Bretagna, 2021; Paintings, GNYP Gallery, Berlino, Germania; 2019; Place, Monya Rowe Gallery, Berlino, Germania, 2019; Brightwater Avenue, Monya Rowe Gallery, New York, 2018; Paintings, John Davis Gallery, Hudson, New York, 2018; Family Affair, Honey Ramka (project space), Brooklyn, New York, 2015; Recent Paintings, JCC Manhattan, New York, 2013; The Visitors, Kent Place Gallery, Summit, New Jersey, New York, 2010. Tra le mostre collettive: Outside Touch, Monya Rowe Gallery, New York, 2020; Sit Still: Self Portraits in the Age of Distraction, Anna Zorina Gallery, New York, 2020; Poeticising Leisure, Althuis Hofland Fine Arts, Amsterdam, Paesi Bassi, 2020; Rewind Fast-forward: Temporal Art Paradox, Winston Wachter, New York, 2020; Xenia: Crossroads in Portrait Painting, Marianne Boesky Gallery, New York, 2020; Polina Barskaya & Anthony Cudahy: Interior, Monya Rowe Gallery, New York, 2019; The Salon, The Wing Soho, New York, 2018; Dynamic Intimacy, Kean University, Union, New Jersey, 2018; Between The Walls, Tillou Fine Art, Brooklyn, New York, 2018; Into View, Sweet Lorraine Gallery, Brooklyn, New York, 2018; Untitled Art Fair, Pratt Institute, Miami, Florida, 2018; Home, Monya Rowe Gallery, Florida, 2017; Art Prize, Grand Rapids, Michigan, 2017; Mommy, Monya Rowe Gallery, Florida, 2017; PULSE Miami Beach (w/ Honey Ramka, Brooklyn, NY), Miami, FL(Some)body, Adam Baumgold Gallery, New York, NY, 2017; Miami Overflow, Honey Ramka, Brooklyn, New York, 2016; PULSE Miami Beach (w/ Honey Ramka, Brooklyn, NY), Miami, Florida, 2016; 21 and Counting, The Painting Centre, New York, 2014; Image Makers, Novella Gallery, New York, NYWretch, Honey Ramka, Brooklyn, NY, 2014; 25 Artists, Suite 217, Brooklyn, New York, 2013; Bachelorette Party, Loft 594, Brooklyn, New York, 2013; Sideshow Nation, Sideshow Gallery, Brooklyn, NY, 2013; How to Write a Novel, Field Projects, New York, 2012; Me, Myself and I, with Aubrey Levinthal, and Justin Liam O’Brien, Monya Rowe Gallery, New York, 2012; Distance from the Source, Set Gallery, Brooklyn, New York, 2011.
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Richter Fine Art inaugurates Maternità on Tuesday, November 19th, the first solo exhibition in Italy by Polina Barskaya (1984, Cherkassy, Ukraine). The artist presents a series of new paintings with an intense autobiographical character, depicting moments of leisure, relaxation, and tranquility that marked some trips taken with her family in the regions of Tuscany, Umbria, and Lazio.
The invitation from the Richter Gallery aims to tell the story of Barskaya's artistic research, which aligns with her life. Painting and life travel on the same track, revealing a relationship of necessary connection and symbiosis.
The title Maternità derives from the artist's natural need to express her condition of life, a physical and mental state that has allowed her to develop a new sensitivity and a further vision of herself in relation to the external world. Barskaya places the relationship at the center of her work, understood as a moment of meeting and intimate dialogue with her family. Thus, the project exposes the need to return to the intimate sphere of the familiar.
Although the artist portrays herself in a state of apparent detachment and passivity, she intends to convey the story of her existence with unequivocal clarity. The scenes, depicting moments of sharing with her daughter and husband, or showing her alone, prompt reflection on personal connections through a process of simplification that aims at an investigation of her own subjectivity.
Recalling the visual structure of a photographic story abruptly interrupted or otherwise in progress, the spatial construction of the works has a theatrical quality. Indeed, the painted scenes derive from photographs, whose pictorial transposition reveals an unexpectedly intimate character. This leads to the artist's choice to use small and medium formats, reflecting her spontaneous need to reveal with clarity—like a private confession—her condition as a woman, wife, and mother.
By shedding light on her present, Barskaya shows an autobiographical glimpse, devoid of any psychological content and further sentimental or emotional interpretations. The result is a cool mind that does not shy away from depicting her state with genuine simplicity. Common to all the works is a substantial painting style, characterized by plastic, rich brushstrokes that aim to portray the physicality of bodies and their imperfections without any scruples.
In the critical text, Maria Vittoria Pinotti states, “Polina Barskaya paints the story of her life and perpetually identifies herself in the phase of motherhood where, by presenting herself in such clear transparency, she becomes extremely simple and approachable. Thus, for Barskaya, painting the truth does not mean faithfully copying a subject, but rather translating it through her keen observation. It is pure realism, where the image is sculpted in a volumetric dimension, breaking down into a texture of brushstrokes that encapsulate the sensation of brightness, the transparency of light, and its continuous radiance.”
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Polina Barskaya (1984, Cherkassy, Ukraine) lives and works between Umbria, Italy, and Brooklyn, New York. She studied at the MFA Pratt Institute, Brooklyn, in 2010 and BA at Hunter College in New York in 2007. Among the awards: The Elizabeth Greenshields Foundation Grant, 2020, for the residencies Residency at The Macedonia Institute, Chatham, New York, 2019. Solo exhibitions include: Kristin Hjellegjerde, West Palm Beach, Florida, 2024; Intimism, Monya Rowe Gallery, New York, 2023; Althuis Hofland Fine Arts, Amsterdam, Netherlands, 2022; Still, Monya Rowe Gallery, New York, 2021; Time Passing, Taymour Grahne (online), London, Great Britain, 2021; Paintings, GNYP Gallery, Berlin, Germany; 2019; Place, Monya Rowe Gallery, Berlin, Germany, 2019; Brightwater Avenue, Monya Rowe Gallery, New York, 2018; Paintings, John Davis Gallery, Hudson, New York, 2018; Family Affair, Honey Ramka (project space), Brooklyn, New York, 2015; Recent Paintings, JCC Manhattan, New York, 2013; The Visitors, Kent Place Gallery, Summit, New Jersey, New York, 2010. Among the group exhibition: Outside Touch, Monya Rowe Gallery, New York, 2020; Sit Still: Self Portraits in the Age of Distraction, Anna Zorina Gallery, New York, 2020; Poeticising Leisure, Althuis Hofland Fine Arts, Amsterdam, Netherlands, 2020; Rewind Fast-forward: Temporal Art Paradox, Winston Wachter, New York, 2020; Xenia: Crossroads in Portrait Painting, Marianne Boesky Gallery, New York, 2020; Polina Barskaya & Anthony Cudahy: Interior, Monya Rowe Gallery, New York, 2019; The Salon, The Wing Soho, New York, 2018; Dynamic Intimacy, Kean University, Union, New Jersey, 2018; Between The Walls, Tillou Fine Art, Brooklyn, New York, 2018; Into View, Sweet Lorraine Gallery, Brooklyn, New York, 2018; Untitled Art Fair, Pratt Institute, Miami, Florida, 2018; Home, Monya Rowe Gallery, Florida, 2017; Art Prize, Grand Rapids, Michigan, 2017; Mommy, Monya Rowe Gallery, Florida, 2017; PULSE Miami Beach (w/ Honey Ramka, Brooklyn, NY), Miami, FL(Some)body, Adam Baumgold Gallery, New York, NY, 2017; Miami Overflow, Honey Ramka, Brooklyn, New York, 2016; PULSE Miami Beach (w/ Honey Ramka, Brooklyn, NY), Miami, Florida, 2016; 21 and Counting, The Painting Centre, New York, 2014; Image Makers, Novella Gallery, New York, NYWretch, Honey Ramka, Brooklyn, NY, 2014; 25 Artists, Suite 217, Brooklyn, New York, 2013; Bachelorette Party, Loft 594, Brooklyn, New York, 2013; Sideshow Nation, Sideshow Gallery, Brooklyn, NY, 2013; How to Write a Novel, Field Projects, New York, 2012; Me, Myself and I, with Aubrey Levinthal, and Justin Liam O’Brien, Monya Rowe Gallery, New York, 2012; Distance from the Source, Set Gallery, Brooklyn, New York, 2011.
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Polina Barskaya: vita lenta
di Maria Vittoria Pinotti
L’esperienza decisiva è sempre quella che riemerge in memoria anche il giorno dopo, così quando si scopre una limpida ricerca d’artista, la si vive come un fruttuoso nutrimento per l’anima, capace com’è di donare un saldo stimolo alla perpetua condizione di studio e d’indagine. Quando due anni fa venni a sapere che Polina Barskaya si era trasferita in Umbria, accolsi la notizia con grande gioia, allora decisi di andarla a trovare e per tutto il viaggio immaginai le motivazioni di tale scelta. Appena arrivai nel suo studio le domande svanirono alla luce di un’atmosfera accogliente, di pacata quiete e brillante intima sensibilità. Del resto, come si potrebbe affrontare la questione delle sue pitture senza eludere i suoi cari rapporti affettivi? Infatti, credo proprio che da una genuina autoconsapevolezza della vita condotta ed una trasparente onestà sfoci naturalmente la sua pittura realistica, forte per possedere un intimo segreto: sapersi distaccare dalle futili apparenze, nutrirsi di saldi vincoli d’affezione e sereni silenzi.
Così, se nei dipinti in mostra alla Galleria Richter ritrae lei stessa ed i suoi familiari, lo fa per svelare un insieme personale e mai intercambiabile, come un atto autentico, in cui nulla fa le veci di alcunché, nessuno rappresenta nulla, bensì tutto è autobiografico, tutto è un ritratto. Erra chiunque cerchi ostinatamente di dare a tali opere un’interpretazione psicologica poiché sono fortemente convinta che i personaggi, chiusi nella loro riservatezza, non intendono raccontarsi, bensì sono semplicemente come appaiono in quel determinato istante. E laddove raramente i soggetti sono molteplici, si occupa solo di esporre le loro affinità con la volontà di illustrare tratti delle personalità senza alcuna penetrazione verso i loro caratteri. Qui risiede la forza della sua pittura: ogni dipinto è arguto, a tratti convenientemente inflessibile verso le proprie ed altrui forme fisiche. E per via di questa scelta, inconsapevolmente Barskaya rischia, poiché si lascia guidare da un impulso, il suo, che la conduce a lavorare sugli stessi soggetti, facendo coincidere i propri bisogni ed i suoi immediati rapporti. A questo punto c’è da chiedersi cosa si intenda per autobiografico? Non è tanto ritrarre quanto rispecchia freddamente il corso della propria vita, piuttosto è un’azione, una personale ed accurata scelta che si svolge con verità e attenzione verso le proprie memorie.
Quindi queste speciali esperienze nitidamente narrate sono il racconto di una vita lenta e contemplativa, sicché Barskaya si riprende mollemente adagiata su un divano, tranquillamente seduta in una stanza dall’albergo o rilassata in paesaggi all’aperto. Questo continuo stato di inattività - che il filosofo Byung Chul Han considera non una debolezza, bensì una diversa forma di intensità alla vita odierna, eccessivamente focalizzata sullo stato della prestazione - è il valore più alto, in quanto è nella pazienza dell’attesa che matura l’inaspettato ed il nuovo. Sospensione, dubbio, sonno, noia sono per Barskaya tutti stati dell’inazione, i più preziosi ed intensi attimi della vita, capaci di far emergere un tempo davvero libero.
Perciò guardando le opere in mostra, in Barskaya, più che in qualsiasi altra ricerca, la presenza umana coincide con fisicità e la sua nuda vita: si tratta di una corposità inconsapevolmente attraente in cui l’essere svestiti o seminudi è sintomo di una situazione libera ed incondizionata. E qualunque sia l’occasione raffigurata si finisce per dar ragione Giorgio Agamben, per cui la nudità è difficile da afferrare perché impossibile da trattenere, non è uno stato ma un evento appartenente al tempo, una forma che si relaziona nel rapporto tra il corpo e la veste. Ma non credo vi sia solo questo, siccome questa sublime assenza di segreto schiuso nella nudità, non è nei soli corpi, bensì nei volti. Questi sono dei rilievi, solcati da rughe d’espressione, disegnati con contorni netti e rigorosi, hanno uno sguardo diretto, frontale, possiedono occhi piccoli e luccicanti ed anche se appaiono privi di manifestazione brillano per una loro innata immobilità.
Sulla base di queste considerazioni, non è del tutto inappropriato domandarsi se nella scarna semplicità delle figurazioni si intraveda l’intenzione di un racconto? No, non credo, piuttosto v’è il disegno di una geografia figurata per luoghi, quali stanze d’albergo, parchi, località di villeggiatura, mete marginali rispetto ai comuni viaggi. Eppure, per rispondere a questa domanda conviene ragionare sulla pittura: tutte le opere presentano lo stesso approccio, l’eguale interesse verso i dettagli e gli stessi rifiuti a idealizzarli, le macchie di colore scolpiscono la corporeità enfatizzando i particolari anatomici e spaziali.
Tant’è che sono abbastanza certa che Barskaya pitturi semplicemente la storia della propria vita, identificando sé stessa in perpetuo nella fase della maternità, laddove, mostrandosi nella sua chiarità così tersa, diventa estremamente semplice e penetrabile. Così, dipingere il vero non significa copiare fedelmente un soggetto, bensì tradurlo attraverso un’acuta osservazione. Si tratta di un realismo puro, per cui l’immagine è scolpita in una dimensione volumetrica, sino a sbriciolarsi in una trama di pennellate che racchiudono la sensazione della luminosità, la trasparenza della luce e la sua continua irradiazione. Le setole del pennello macchiano alternando tratti veloci ad attimi più lenti, sempre dosando la misurata liquidità del colore e la pressione del pennello. Diversamente, in altri casi lavora sulla purezza del tono per riuscire a trasmetterne la gravità e lo spessore di ciascuna forma, come nei capelli ondeggianti all’aria aperta o nelle forme delle vesti alcune volte morbide, sbuffanti ed altre volte più stropicciate.
Quindi cosa fare di queste immagini se non interpretarle come narrazioni? Sicuramente amarle, riviverle al punto tale da respirare nuovamente la loro aria, godere dell’eco di silenzio che emanano. Per questo motivo credo in Barskaya vi sia più di un racconto autobiografico, c’è un qualcosa che ha a che fare con la consapevolezza di vivere, vivere tutto ciò che la vita lenta, se saputa trovare, può donare.
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Polina Barskaya: Slow Life
by Maria Vittoria Pinotti
The decisive experience is always the one that resurfaces in memory even the next day. So, when one discovers clear artistic research, it is experienced as a fruitful nourishment for the soul, capable of providing a strong stimulus for the ongoing condition of study and inquiry. Two years ago, when I learned that Polina Barskaya had moved to Umbria, I welcomed the news with great joy. I decided to visit her, and throughout the journey, I imagined the reasons behind her choice. As soon as I arrived at her studio, my questions vanished in the light of a welcoming atmosphere, serene calm, and vibrant inner sensitivity. After all, how could one approach the issue of her paintings without acknowledging her deep emotional relationships? Indeed, I truly believe that her realistic painting naturally stems from a genuine self-awareness of the life she leads and a transparent honesty, possessing an intimate secret: the ability to detach from futile appearances, to nourish oneself with strong bonds of affection and peaceful silences.
Thus, if in the paintings on display at Richter Gallery she portrays herself and her family members, she does so to reveal a personal and irreplaceable set, as an authentic act, where nothing stands for anything else, and no one represents anything; rather, everything is autobiographical, everything is a portrait. Those who stubbornly seek to impose a psychological interpretation on such works are mistaken, as I am strongly convinced that the characters, closed in their reserve, do not intend to tell their stories but simply are as they appear in that moment. And where subjects are rarely multiple, she only seeks to expose their affinities with the intention of illustrating traits of their personalities without any deep penetration into their characters. Here lies the strength of her painting: each artwork is sharp, at times conveniently inflexible towards its own and others’ physical forms. Due to this choice, Barskaya unconsciously takes a risk, as she allows herself to be guided by an impulse - her own - leading her to work on the same subjects, aligning her needs with her immediate relationships. At this point, one might ask what is meant by autobiographical? It is not merely about portraying; rather, it coldly reflects the course of one’s own life. It is more an action, a personal and careful choice that unfolds with truth and attention to one’s memories.
Thus, these special experiences clearly narrated are the tale of a slow and contemplative life, as Barskaya reclines gently on a sofa, sitting calmly in a hotel room, or relaxing in outdoor landscapes. This continuous state of inactivity - which the philosopher Byung-Chul Han considers not a weakness, but rather a different form of intensity in today’s life, excessively focused on performance - is the highest value, as it is in the patience of waiting that the unexpected and the new mature. Suspension, doubt, sleep, and boredom are for Barskaya all states of inaction, the most precious and intense moments of life, capable of bringing forth a truly free time.
Therefore, when looking at the works on display, in Barskaya, more than in any other research, human presence coincides with physicality and her bare life: it is an unconsciously attractive corporeality where being undressed or partially nude is a sign of a free and unconditional situation. Whatever the occasion depicted, one ultimately agrees with Giorgio Agamben, who argues that nudity is difficult to grasp because it cannot be held; it is not a state but an event belonging to time, a form that relates to the relationship between body and garment. But I believe there is more than this, as this sublime absence of secrecy unveiled in nudity is not found only in the bodies but also in the faces. These are reliefs, marked by expression lines, drawn with clear and rigorous contours, possessing a direct, frontal gaze, with small, sparkling eyes that, even though they appear devoid of expression, shine with an innate stillness.
Based on these considerations, it is not entirely inappropriate to ask whether the stark simplicity of the figures hints at the intention of a narrative. No, I do not believe so; rather, there is the outline of a figurative geography for places, such as hotel rooms, parks, vacation spots, and marginal destinations in relation to common travels. Yet, to answer this question, it is worthwhile reflecting on the painting itself. All the works present the same approach, the same interest in details, and the same refusal to idealize them; the color patches sculpt corporeality, emphasizing anatomical and spatial particulars.
I am quite certain that Barskaya simply paints the story of her own life, perpetually identifying herself in the phase of motherhood, where, by presenting herself in such clear brightness, she becomes extremely simple and accessible. Thus, painting the truth does not mean faithfully copying a subject, but rather translating it through acute observation. It is pure realism, in which the image is sculpted in a volumetric dimension, breaking down into a weave of brushstrokes that encapsulate the sensation of luminosity, the transparency of light, and its continuous radiation. The bristles of the brush stain the canvas by alternating quick strokes with slower moments, always measuring the liquid quality of the color and the pressure of the brush. Conversely, in other cases, she works on the purity of tone to convey the weight and thickness of each form, as seen in hair waving in the open air or the shapes of garments that are sometimes soft and billowing, and at other times more wrinkled.
So, what should we make of these images if not to interpret them as narratives? Certainly, to love them, to relive them to the point of breathing their air once more, enjoying the echo of silence that they emanate. For this reason, I believe there is more than an autobiographical narrative in Barskaya’s work; there is something that relates to the awareness of living, of experiencing everything that a slow life, if one knows how to find it, can offer.